Andrea Rugnone

Creo en la superación, en que un año siempre es mejo que otro…
Creo en el fluir de las cosas…
Creo en la apertura de uno para poder recibir al otro.
Creo en la conexión con uno mismo, con los lugares y con las personas y en la conexión profunda de un momento…
Sigo creyendo en mi sensibilidad aunque a veces reniego de ella cuando lloro por nada.
Creo que sonreír es una sensación tan linda como amar.
Creo en lo bueno que es agruparse con un fin común, sea algo chiquito o no, sea por un problema o para organizar una fiesta sorpresa!
Creo que todo se alimenta y se riega como una plantita, sino no hay flores…
Creo en la necesidad de tener momentos de soledad y de vacaciones!
Creo que todo es un ida y vuelta, que se van generando cosas en relación a lo que uno genera también, muchas personas a eso lo llaman suerte, yo no creo que sea eso, o que sea sólo eso…
Creo que el día que deje(mos) de ser sensible tendría(mos) que morir…

Por esto y mucho más brindo por este 2014 que ya está golpenado la puerta!!!

chin chin!

muestra colectiva sin.tesis 11/12

Exponen:
Mario Alberto Aguirre / Amaranta / José Alejandro Bustos / Dante Area Ricciardi / Rodolfo Mautino / Andrea Rugnone / Carlos Miguel Zarate / Santiango Druetta / Huilen Peña / Andrés Torregiani.

Los artistas se formaron en la Escuela Superior de Bellas Artes Dr. José Figueroa Alcorta. Finalizando en el periodo 2011/2012 la Diplomatura Superior en las Especialidades de Pintura, Escultura y Grabado.

Mi último escrito de mis últimas obras

(o no quiero ser un bofe…)

Dicen los diccionarios que la piel es el mayor órgano del cuerpo. Primero no sabía que la piel era un órgano y menos que era el más grande. Pienso que será porque existe la necesidad de conectarnos físicamente siempre con lo otro.

Entonces trato de imaginar nuestro cuerpo sin piel: tal vez nos dolería apoyarnos sobre algo o nos lastimaríamos frecuentemente, aunque me impresiona más pensar en cómo nos veríamos sin piel… Seríamos como bofes caminando (prefiero ahora no ahondar en esto ya que me impresiona un poco la idea).

Volviendo a lo anterior la piel del cuerpo es solo un tipo de piel, la ropa es piel, la carcasa de un auto o la cáscara de una naranja también lo son. La piel separa y conecta, tiene espesor y textura, puede ser laxa, lastimada o ser atravesada por una sutil caricia.

O sea que la piel es más que la superficie de algo ya que esta última solo es el aspecto externo de las cosas: no esconde ni atraviesa, solo es apariencia y no por eso algo menor.

A lo largo de estos últimos cinco años mis obras tuvieron relación con esto: con las pieles, las superficies y las texturas tanto en relación al cuerpo como con su entorno.

Tomé a la piel no solo como superficie sino con la idea de que muestra y oculta, siendo un derecho y un revés, siendo contacto con lo otro y con el otro. Esta idea me llevó a trabajar con distintos materiales y lenguajes plásticos que fueron más allá del de la pintura.

En el 2011 mi obra se inclinó más hacia las superficies y para trabajar en eso tomé a la fotografía como uno de los posibles lenguajes para llevarla a cabo.

Podríamos definir a la fotografía como un mundo de superficies y de apariencias, que simula situaciones y sugiere espacios, texturas, etc.

Mi idea es romper con la intensión o sentido que tiene una imagen, intervenirla para que deje de ser en parte lo que era y paradójicamente ver un poco más allá. Paisajes, momentos, registro de lugares y situaciones cotidianas son intencionalmente alteradas desde su contenido como desde su forma. Varias veces doblamos el diario a la mitad pero qué pasa con esa imagen que se transforma. Si vemos una fotografía de la iglesia de Florencia veríamos su impresionante cúpula pero no tanto la gente que circula por allí o el calzado que estos llevan. Mi idea es captar esas cosas que son secundarias y realzar ese borde, ese costado de la imagen.

Por otro lado también me interesa la tensión que se puede generar en una imagen de las texturas en contraposición con lo liso y lo plano.

En los métodos de la Detournement (tergiversación) Guy Debord menciona:

“Algunos elementos, no la materia de donde han sido tomados, pueden servir para hacer nuevas combinaciones. […] La interferencia mutua entre dos mundos de experiencia, o la unión de dos expresiones independientes, sustituye a los elementos originales y produce una organización sintética de mayor eficacia.” [1]

Por otro lado Nicolas Bourriaud dirá:

“las obras [de arte] ya no tienen como meta formar realidades imaginarias o utópicas, sino constituir modos de existencia o modelos de acción dentro de lo real ya existente.”[2]

Si analizamos ambos pensamientos podemos ver que en un punto se relacionan ya que ambos coinciden en que es válido tomar elementos existentes que nos rodean para luego resignificarlos, pero la diferencia entre Debord y Bourriaud es que el primero apunta a que no es solo unir dos elementos independientes sino que hay que combinarlos para que logren una mayor eficacia. Podemos discutir entonces qué podría significar eficacia para el arte, si tiene que ver con que el espectador capte de forma unidireccional el mensaje que el artista quiere dar, o si se relaciona más por ejemplo con los recursos que el artista utiliza para expresar mejor su idea. Desde mi punto de vista y de mi obra tener eficacia es pensar qué más me puede dar la imagen además de su “mensaje original” y qué me puede decir cuando una parte de ella está oculta. El “resultado” tiene que ser para mí un mensaje abierto, teniendo o no sentido para el otro y siendo o no algo lógico.

Juro que lo descubrí después…

Viendo y leyendo sobre algunos artistas pude observar una relación de mis obras con parte de la obra de John Baldessari en donde encontré varios puntos en común. Él también utiliza fotografías y oculta partes de ellas con planos de colores, a su vez en algunos casos muestra una secuencia de imágenes de una misma situación. En mi caso dejo testimonio de donde son extraídas las mismas viendo por ejemplo que forman parte de la hoja de un diario. En las obras de Baldessari podemos ver qué es lo que está tapando ya que en la mayoría de los casos es la silueta de aquello que no se ve. En mi caso utilizo siempre formas rectangulares.

La obra de Baldessari también forma parte de algunos diseños como por ejemplo en tablas de skate. En mi caso en algunas obras introduzco plantillas de cajas que pueden o no ser armadas.

Mi último escrito de mi última obra:

Hacer mi obra a partir de las superficies, hizo que me detenga en algo que tal vez en otros momentos hubiese pasado desapercibido: siempre hay algo debajo de las imágenes que nuestra mente crea. Por lo tanto puedo decir que sigo frente a la idea que planteé en un principio: el de las pieles.

¿Qué más hay por ver? Podemos decir que todo está inventado pero no vemos todo lo que existe por censura ajena o propia… ver más allá de la superficie y tocar más pieles podría seguir siendo interesante…

Me dieron ganas de invitar a Baldessari a tomar algo. Tal vez él lleve las cenizas de sus obras…(esto lo digo en referencia a lo que él realizó en los ´70 en donde quemó todas sus obras realizadas hasta 1966 y con sus cenizas realizó la tapa de un libro). Tal vez yo lleve mis obras para que también terminen en polvo…

Seguiré trabajando con las pieles, las superficies y todo lo que de alguna manera nos conecta porque por ahora no quiero parecerme a un bofe…

Andrea Rugnone

[1] Guy Debord y Gil J. Wolman, Métodos de tergiversación publicado originalmente en Les Levres Nues, # 8, mayo 1956. Traducción de Industrias Mikuerpo incluida en Acción directa en el arte y la cultura, Madrid, radikales livres, 1998

[2] Bourriaud, Nicolas, Esthétique relationnelle, traducción: Beceyro, Cecilia y Delgado, Sergio. 2 edición. Buenos Aires. 2008.